lunes, 25 de octubre de 2010
domingo, 24 de octubre de 2010
PARALELEPIPEDO
Trabajo de diseño
Justificación…….?
Descripción del trabajo……….
Descripción del problema?
Relizacion de un paralelepipedo de 30 x 30 x 100 cms, de madera, con estambre y clavos para su fijación.
El cual contara con influencias del OP – ART
Marco referencial…….
Referencias tecnicas.
Se utilizo madera de pino, de 3/8 de espesor, el grueso de la madera resulto ser un factor importante en este proyecto no podia ser mas gruesa por que estaria muy pesado el prisma para su traslado, y ni muy delgado por que los clavos se soltarian, por eso se eligio este espesor, y madera por que es un material suave pero a la vez resistente, una vez elegido el material, el siguiente paso fue trazar el diseño sobre la madera, luego procedimos a hacer los resaques y una vez cortado todo, lo siguiente fue empezar a lijarse con una lija para madera fina para darle un acabo liso, para cortar la madera de 30 x 30 x 100 cms se utilizo una sierra circular electrica, para hacer los resaques se utilizo una caladora.
Una vez realizado el cortado de la madera, el siguiente paso fue pintarla, ya que era poca area a pintar después de los resaques, decidimos utilizar pintura en spray por ser mas economico y practico el proceso de pintado, este proceso fue facil ya que tendimos la madera en el piso, para no empapelar ya que solo se pintarian las caras exteriores…
SEÑALAR SI ES UNA ESCULTURA O UNA INSTALACION, CUANDO ES UNA Y CUANDO ES OTRA……..
El prisma que construimos se puede catalogar como una escultura.
Se considera escultura a aquel arte encargado de crear figuras tridimensionales. Para lograr sus obras, los artistas de la escultura utilizan múltiples técnicas entre las que se encuentra la soldadura, el modelado, la talla y la fundición.
Y lo que nosotros hicimos fue darle forma creando espacios positivos y negativos en la madera.
El arte instalacion es aquel que se concibe en los espacios para los cuales fueron creadas.
Es por esto que nuestro prisma entra en la categoria de escultura.
ESCULTURA
La escultura es aquel arte encargado de crear figuras tridimensionales, para lo que sus creadores utilizan múltiples técnicas y materiales. El término escultura proviene de la palabra latina “sculpere”, la que se traduce al español como “esculpir”, y se trata de un arte que se ha encontrado presente a lo largo de toda la historia de la humanidad.
Para lograr sus obras, los artistas de la escultura utilizan múltiples técnicas entre las que se encuentra la soldadura, el modelado, la talla y la fundición.
Una de las técnicas más antiguas es la de la talla, presente en este arte desde la prehistoria. Debido a esto, la talla es considerada como la técnica suprema de la escultura y consta en dar forma a determinado material extrayendo, raspando y cortando su superficie hasta lograr la forma o figura deseada.
Por otra parte, la muy utilizada técnica del modelado se realiza a partir del uso de materiales blandos, que gracias a su flexibilidad pueden adquirir la forma que el artista le quiera dar. Uno de los materiales más utilizados para esta técnica es la arcilla, así como también se ha utilizado la cera a lo largo de la historia. A fin de dar una mayor resistencia a este tipo de materiales, muchas veces las obras creadas se cuecen, tal como sucede con la arcilla. Sin embargo, la técnica que permite realizar las esculturas más resistentes es la del vaciado. El vaciado consiste en la fundición de la obra en bronce o en algún otro metal. Para realizar esto es necesario utilizar técnicas previas como la de la arena o la cera perdida a fin de obtener un negativo de la escultura final, la que se logrará a través del vaciado del metal.
Otra de las técnicas de escultura, muy utilizada por el afamado artista Pablo Picasso, es la de construcción y assemblage. Esta técnica consiste en algo similar al collage, donde se pegan diferentes papeles y otro tipo de materiales a fin de lograr una determinada obra, en este caso, una escultura.
QUE ES UNA INSTALACION
Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970.
Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte.
Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística, más que la apreciación de la escultura tradicional que se basa en el trabajo artístico.
La intención del artista es primordial en cada instalación, debido a su conexión con el arte conceptual de la década de 1960, lo que nuevamente es una separación de la escultura tradicional que tiene su principal interés en la forma.
Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma.
Algunas instalaciones son sitios específicos de arte; ellas sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.
Referencias esteticas:
La referencia estetica que utilizamos fue el OP- ART, esta corriente nos ayudo para realizar un trabajo con hilo tensado con el siguiente resultado:
fotos
Que es Op Art ?
La expresión "Op Art" corresponde a la abreviación de "optical art", la cual es una forma artística contemporánea que alcanzó su auge en la década de 1960.
El Op Art consiste en efectos cromáticos y formales dinámicos, que incorpora la indolencia visual, por lo que se aprecian más estructuras cromáticas que plásticas.
El Op Art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro.
Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.
Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
La "pintura óptica" tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos.
Si la pintura óptica de la posguerra ha de remontarse a una sola fuente, esa fuente incuestionablemente deberá ser Víctor Vasarely, húngaro de origen, que nació en 1908, quien fue estudiante de la academia Mühely, de Alexander Bortnyik, el Bauhaus de Budapest.
También se destacan:
Triond, Supernova
Yaacov Agam (con sus cuadros en relieve), Doble metamorfosis III
Briget Riley
Richard Anuszkiewicz, Iridiscencia,
Michael Kidner; Azul, verde, violeta y marrón.
DISEÑO
Principios de diseño empleados en el trabajo…………….
Formas
Lineas
Colores
Etc
Principios de composición
Ritmo
Espacio positivo, negativo
Referencias tematicas….
Si se aborda un tema especifico……..????
Analisis de costos
Lista de materiales :
Una hoja de madera de pino de 3/8 de espesor.
1 Kg. Clavos sin cabeza de ¾ plg .
Pegamento blanco.
1 lata de pintura en spray color café.
2 bolas de estambre color verde y naranja.
Escribir por que nos decidimos a usar madera…..
Nos decidimos a usar madera ya que es un material muy suave y facil de cortar y lijar y al mismo tiempo tiene la cararacteristica de ser rigido, para poder clavar en el y asi tensar el estambre.
Bocetos
Escanear las fotos de los bocetos
Documentación del proceso
Insertar las fotos del proceso poner pie de foto ( anotaciones que describan la foto)
Descripción de la solucion
Presentar en un dibujo la sugerencia de cómo se debe iluminar donde se debe colocar
Que instalaciones y equipo es necesario para presentarlo (sonido, agua, luz)
Conclusiones
Escribir lo que pensamos en el transcurso de la realización de la obra, que descubriste que te gusto y que no te gusto. Reflexiones
Justificación…….?
Descripción del trabajo……….
Descripción del problema?
Relizacion de un paralelepipedo de 30 x 30 x 100 cms, de madera, con estambre y clavos para su fijación.
El cual contara con influencias del OP – ART
Marco referencial…….
Referencias tecnicas.
Se utilizo madera de pino, de 3/8 de espesor, el grueso de la madera resulto ser un factor importante en este proyecto no podia ser mas gruesa por que estaria muy pesado el prisma para su traslado, y ni muy delgado por que los clavos se soltarian, por eso se eligio este espesor, y madera por que es un material suave pero a la vez resistente, una vez elegido el material, el siguiente paso fue trazar el diseño sobre la madera, luego procedimos a hacer los resaques y una vez cortado todo, lo siguiente fue empezar a lijarse con una lija para madera fina para darle un acabo liso, para cortar la madera de 30 x 30 x 100 cms se utilizo una sierra circular electrica, para hacer los resaques se utilizo una caladora.
Una vez realizado el cortado de la madera, el siguiente paso fue pintarla, ya que era poca area a pintar después de los resaques, decidimos utilizar pintura en spray por ser mas economico y practico el proceso de pintado, este proceso fue facil ya que tendimos la madera en el piso, para no empapelar ya que solo se pintarian las caras exteriores…
SEÑALAR SI ES UNA ESCULTURA O UNA INSTALACION, CUANDO ES UNA Y CUANDO ES OTRA……..
El prisma que construimos se puede catalogar como una escultura.
Se considera escultura a aquel arte encargado de crear figuras tridimensionales. Para lograr sus obras, los artistas de la escultura utilizan múltiples técnicas entre las que se encuentra la soldadura, el modelado, la talla y la fundición.
Y lo que nosotros hicimos fue darle forma creando espacios positivos y negativos en la madera.
El arte instalacion es aquel que se concibe en los espacios para los cuales fueron creadas.
Es por esto que nuestro prisma entra en la categoria de escultura.
ESCULTURA
La escultura es aquel arte encargado de crear figuras tridimensionales, para lo que sus creadores utilizan múltiples técnicas y materiales. El término escultura proviene de la palabra latina “sculpere”, la que se traduce al español como “esculpir”, y se trata de un arte que se ha encontrado presente a lo largo de toda la historia de la humanidad.
Para lograr sus obras, los artistas de la escultura utilizan múltiples técnicas entre las que se encuentra la soldadura, el modelado, la talla y la fundición.
Una de las técnicas más antiguas es la de la talla, presente en este arte desde la prehistoria. Debido a esto, la talla es considerada como la técnica suprema de la escultura y consta en dar forma a determinado material extrayendo, raspando y cortando su superficie hasta lograr la forma o figura deseada.
Por otra parte, la muy utilizada técnica del modelado se realiza a partir del uso de materiales blandos, que gracias a su flexibilidad pueden adquirir la forma que el artista le quiera dar. Uno de los materiales más utilizados para esta técnica es la arcilla, así como también se ha utilizado la cera a lo largo de la historia. A fin de dar una mayor resistencia a este tipo de materiales, muchas veces las obras creadas se cuecen, tal como sucede con la arcilla. Sin embargo, la técnica que permite realizar las esculturas más resistentes es la del vaciado. El vaciado consiste en la fundición de la obra en bronce o en algún otro metal. Para realizar esto es necesario utilizar técnicas previas como la de la arena o la cera perdida a fin de obtener un negativo de la escultura final, la que se logrará a través del vaciado del metal.
Otra de las técnicas de escultura, muy utilizada por el afamado artista Pablo Picasso, es la de construcción y assemblage. Esta técnica consiste en algo similar al collage, donde se pegan diferentes papeles y otro tipo de materiales a fin de lograr una determinada obra, en este caso, una escultura.
QUE ES UNA INSTALACION
Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970.
Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte.
Muchos encuentran los orígenes de este movimiento en artistas como Marcel Duchamp y el uso de objetos cotidianos resignificados como obra artística, más que la apreciación de la escultura tradicional que se basa en el trabajo artístico.
La intención del artista es primordial en cada instalación, debido a su conexión con el arte conceptual de la década de 1960, lo que nuevamente es una separación de la escultura tradicional que tiene su principal interés en la forma.
Puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma.
Algunas instalaciones son sitios específicos de arte; ellas sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.
Referencias esteticas:
La referencia estetica que utilizamos fue el OP- ART, esta corriente nos ayudo para realizar un trabajo con hilo tensado con el siguiente resultado:
fotos
Que es Op Art ?
La expresión "Op Art" corresponde a la abreviación de "optical art", la cual es una forma artística contemporánea que alcanzó su auge en la década de 1960.
El Op Art consiste en efectos cromáticos y formales dinámicos, que incorpora la indolencia visual, por lo que se aprecian más estructuras cromáticas que plásticas.
El Op Art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro.
Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.
Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
La "pintura óptica" tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos.
Si la pintura óptica de la posguerra ha de remontarse a una sola fuente, esa fuente incuestionablemente deberá ser Víctor Vasarely, húngaro de origen, que nació en 1908, quien fue estudiante de la academia Mühely, de Alexander Bortnyik, el Bauhaus de Budapest.
También se destacan:
Triond, Supernova
Yaacov Agam (con sus cuadros en relieve), Doble metamorfosis III
Briget Riley
Richard Anuszkiewicz, Iridiscencia,
Michael Kidner; Azul, verde, violeta y marrón.
DISEÑO
Principios de diseño empleados en el trabajo…………….
Formas
Lineas
Colores
Etc
Principios de composición
Ritmo
Espacio positivo, negativo
Referencias tematicas….
Si se aborda un tema especifico……..????
Analisis de costos
Lista de materiales :
Una hoja de madera de pino de 3/8 de espesor.
1 Kg. Clavos sin cabeza de ¾ plg .
Pegamento blanco.
1 lata de pintura en spray color café.
2 bolas de estambre color verde y naranja.
Escribir por que nos decidimos a usar madera…..
Nos decidimos a usar madera ya que es un material muy suave y facil de cortar y lijar y al mismo tiempo tiene la cararacteristica de ser rigido, para poder clavar en el y asi tensar el estambre.
Bocetos
Escanear las fotos de los bocetos
Documentación del proceso
Insertar las fotos del proceso poner pie de foto ( anotaciones que describan la foto)
Descripción de la solucion
Presentar en un dibujo la sugerencia de cómo se debe iluminar donde se debe colocar
Que instalaciones y equipo es necesario para presentarlo (sonido, agua, luz)
Conclusiones
Escribir lo que pensamos en el transcurso de la realización de la obra, que descubriste que te gusto y que no te gusto. Reflexiones
sábado, 16 de octubre de 2010
ABSTRACCIONES
En 1910 Kandinsky realiza una acuarela que titula “Primera acuarela abstracta”, obra que acuña el concepto de la abstracción como corriente y tendencia en las artes plásticas y que generará una serie de variaciones, enfoques, estilos y reacciones que confrontan a la pintura de su carácter denotativo a sus múltiples posibilidades connotativas, más allá de la forma y la mímesis a la que se le venía asociando.
A casi un siglo de este hecho histórico, el espectador aún se encuentra distante de la manifestación de la abstracción en el arte: escéptico, no reconoce los múltiples valores que le confiere la abstracción a las artes plásticas y a la visualidad contemporánea.
La abstracción abre las puertas para ver en la pintura y el dibujo, otras formas e imágenes más allá de la figuración en asociación directa con la realidad. Enfrentarse a una obra abstracta le permite al público volcar su sentido interpretativo, usar su imaginación y generar con su fantasía diversas evocaciones de su mundo.
La exposición Abstracciones es la suma y selección de obras que pretenden retar al espectador a una nueva manera de detenerse a ver una obra de arte; se le pide que interprete, que saque sus conclusiones, que complete la historia narrada o bien que juegue con el universo de significaciones para cambiar su estado de ánimo.
No hay más que decir. Una obra abstracta en la elocuencia de su concepto debiera tener siempre como título el sin título, pues evita los posibles “sesgos” de la interpretación al verse influenciado el espectador por el nombre de la obra. La pieza debe funcionar por sí sola y empujar al impulso creativo de quien la ve, llevándolo a las referencias de su historia y sus vivencias significativas.
Conscientes de la teoría de la fractalidad, hablar de un fragmento es poder entender los sistemas dinámicos provenientes del arte, la acción del conocimiento del mismo y el universo consciente e inconsciente propio de la labor de los orígenes del dibujo. Todo fragmento es parte de la totalidad del discurso; el aspecto metafórico de la obra permitirá al público adentrarse en el fractus del autor, reconociendo signos, referencias, códigos, retórica y arquetipos empleados. La metáfora está ahí, abierta y viva para que el espectador la haga suya.
A casi un siglo de este hecho histórico, el espectador aún se encuentra distante de la manifestación de la abstracción en el arte: escéptico, no reconoce los múltiples valores que le confiere la abstracción a las artes plásticas y a la visualidad contemporánea.
La abstracción abre las puertas para ver en la pintura y el dibujo, otras formas e imágenes más allá de la figuración en asociación directa con la realidad. Enfrentarse a una obra abstracta le permite al público volcar su sentido interpretativo, usar su imaginación y generar con su fantasía diversas evocaciones de su mundo.
La exposición Abstracciones es la suma y selección de obras que pretenden retar al espectador a una nueva manera de detenerse a ver una obra de arte; se le pide que interprete, que saque sus conclusiones, que complete la historia narrada o bien que juegue con el universo de significaciones para cambiar su estado de ánimo.
No hay más que decir. Una obra abstracta en la elocuencia de su concepto debiera tener siempre como título el sin título, pues evita los posibles “sesgos” de la interpretación al verse influenciado el espectador por el nombre de la obra. La pieza debe funcionar por sí sola y empujar al impulso creativo de quien la ve, llevándolo a las referencias de su historia y sus vivencias significativas.
Conscientes de la teoría de la fractalidad, hablar de un fragmento es poder entender los sistemas dinámicos provenientes del arte, la acción del conocimiento del mismo y el universo consciente e inconsciente propio de la labor de los orígenes del dibujo. Todo fragmento es parte de la totalidad del discurso; el aspecto metafórico de la obra permitirá al público adentrarse en el fractus del autor, reconociendo signos, referencias, códigos, retórica y arquetipos empleados. La metáfora está ahí, abierta y viva para que el espectador la haga suya.
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